domingo, 8 de diciembre de 2013


‘NO ES TELEVISIÓN ES HBO’
Fundado en 1972 por la compañía editorial Time, HBO (Home Box Office) nació como canal de pago (frente al cable básico sustentado por publicidad), con un programa de estrenos cinematográficos recientes. Después de lograr catorce millones y medio de suscriptores en sus primeros años, la cadena inició una estrategia comercial en busca de contenidos exclusivos para hacer frente al éxito del video en los años ochenta, bajo el lema: ‘No es televisión, es HBO’.

Esta exclusividad tenía dos sentidos: 
-         Contenidos originales que no hubieran estado disponibles anteriormente en otros formatos como la proyección en salas.
-         Contenidos que tocaran temas tabú como el sexo, la violencia y todo tipo de tópicos controvertidos.
Será bajo estos planteamientos que la cadena iniciará su propia producción de ficción, que cristalizará en tres grandes dramas seriales que han consolidado la Edad de Oro de la televisión, gracias a una serie de características:

-         La innovación de géneros y estructura narrativa. Uno de los rasgos más innovadores ha sido la mezcla de géneros y la intertextualidad cultural de todas sus series, que incluye novedades en muchos elementos narrativos, con secuencias oníricas o de tipo teatral, e incluso han sido pioneros en el desarrollo de los títulos de crédito.
Otro tipo de innovación ha sido la recuperación de los seriales episódicos. Pues desde los años noventa las productoras evitaban series que necesitasen un seguimiento continuo dado que en aquella época se consideraba que un ‘admirador’ de un programa veía en promedio apenas uno de cada cuatro episodios. Este seguimiento tiene dos sentidos internos:
o       Generar un producto que atraiga audiencia hacia la cadena de pago.
o       Permitir un mejor desarrollo y mayor profundidad de las tramas, personajes y conflictos.
La HBO es famosa por sus dramas corales
-         La colaboración con autores consolidados. La HBO ha hecho un gran trabajo en el reconocimiento de la figura del ‘showrunner’ o productor principal, que es aquella persona que coordina todos los aspectos de una serie, empezando por los guiones. Además, en este sentido ha cuidado mucho sus colaboraciones buscando cierto sentido autoral detrás del producto televisivo, como es el caso de David Chase, creador de Los Soprano; Alan Ball, creador de A dos metros bajo tierra y David Simon, periodista y escritor que ya había colaborado en pequeños trabajos con la HBO y que es la mente maestra detrás de The Wire.
James Gandolfini y David Chase

-         La reivindicación del tabú. Dado que la cadena es de pago no necesita incluir anuncios en sus series, y por tanto, las prohibiciones que exigen las marcas para que su producto no sea asociado a contenidos políticamente incorrectos, no existen.
Oz

El tabú no hace sólo referencia a la utilización de palabras malsonantes, el uso de drogas, la violencia explicita o la sexualidad; sino también al planteamiento de tramas y argumentos como el desarrollo de la rutina en una cárcel de máxima seguridad (Oz), la vida diaria de una familia mafiosa de New Jersey (Los Soprano), los entresijos de una familia de enterradores (A dos metros bajo tierra) o el complejo aparato productivo y distributivo de la droga en Baltimore (The Wire).


EL TRIPLE ENTENTE DE LA EDAD DE ORO

Los Soprano (1999 – 2007): En enero de 1999, la HBO estrena Los Soprano y de este modo se da un pequeño paso para una cadena y un gran paso para la televisión. El planteamiento de un mafioso italoamericano jefe de una pequeña organización criminal cuya posesiva madre le ha causado estrés y la necesidad de acudir a una psicoanalista, es absolutamente rompedor desde su capítulo piloto. El éxito de crítica y público la ha alzado al Olimpo de la televisión, y hasta este año la serie ostentaba el récord de audiencia de la cadena, sólo superada por Juego de Tronos.
La cuidadísima producción, con una grandísimo elenco de personajes que pululan frente a la pantalla, algunos periódicamente y otros esporádicamente, configuran otra de las señas de identidad de la cadena.

A dos metros bajo tierra (2001 – 2005): El éxito masivo de crítica especializada y público selecto de Los Soprano, permitió a la cadena traer al guionista Alan Ball, ganador de un oscar por su guión de American Beauty, para que crease una interesante propuesta para sumar a la ficción de la HBO.
 En este caso; las aventuras y desventuras de una familia de enterradores, que destaca por los traumas de los personajes, lo original de la historia y cierta innovación tanto estética, como en el modo de filmar, del que ciertas series como American History Horror se han aprovechado, a la vez que han agudizado sus planteamientos. El tabú llena la pantalla por completo, desde el tratamiento de la muerte como industria, hasta temas como la homosexualidad reprimida.

The Wire (2002 – 2008): Si Los Soprano puso los cimientos de la nueva televisión y A dos metros bajo tierra allanó el terreno, The Wire es el monumento viviente de que las obras maestras televisivas, existen. Definida por su ator, el periodista de sucesos David Simon, como una ‘novela visual’, The Wire sorprende por el perfecto realismo de su puesta en escena, el vocabulario y la jerga de sus personajes, los actores que no actúan y que en muchos casos no tenían experiencia como actores, sino que Simon los cogió de la calle.
Cualquier adjetivo se quedaría corto para el brutal relato sobre la corrupción en una ciudad, y todas las capas que afecta, desde la calle y la policía, hasta la política. En palabras de uno de sus personajes: “Si sigues la droga encontrarás a los camellos y los sicarios, si sigues el dinero, nunca sabes los que te vas a encontrar”.


Bibliografía:
http://www.ehu.es/zer/hemeroteca/pdfs/zer21-02-cascajosa.pdf
http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/02/actualidad/1330694525_921008.html
http://www.vayatele.com/ficcion-internacional/los-sopranos-la-hbo-y-el-porque-de-la-calidad-de-sus-series
http://www.esquirelat.com/entretenimiento/611115/the-watcher-10-razones-ver-otra-vez-soprano/
http://elpais.com/diario/2008/07/25/revistaverano/1216936802_850215.html
http://www.jotdown.es/2012/08/tony-soprano-vs-vito-corleone/
http://www.jotdown.es/2011/11/imprescindibles-the-sopranos/
http://mrmacguffin.blogspot.com.es/2013/08/y-si-los-soprano-nunca-hubiera-existido.html
http://newsweek.infonews.com/nota-198683-Adictos-seriales.html
15:44 Unknown

‘NO ES TELEVISIÓN ES HBO’
Fundado en 1972 por la compañía editorial Time, HBO (Home Box Office) nació como canal de pago (frente al cable básico sustentado por publicidad), con un programa de estrenos cinematográficos recientes. Después de lograr catorce millones y medio de suscriptores en sus primeros años, la cadena inició una estrategia comercial en busca de contenidos exclusivos para hacer frente al éxito del video en los años ochenta, bajo el lema: ‘No es televisión, es HBO’.

Esta exclusividad tenía dos sentidos: 
-         Contenidos originales que no hubieran estado disponibles anteriormente en otros formatos como la proyección en salas.
-         Contenidos que tocaran temas tabú como el sexo, la violencia y todo tipo de tópicos controvertidos.
Será bajo estos planteamientos que la cadena iniciará su propia producción de ficción, que cristalizará en tres grandes dramas seriales que han consolidado la Edad de Oro de la televisión, gracias a una serie de características:

-         La innovación de géneros y estructura narrativa. Uno de los rasgos más innovadores ha sido la mezcla de géneros y la intertextualidad cultural de todas sus series, que incluye novedades en muchos elementos narrativos, con secuencias oníricas o de tipo teatral, e incluso han sido pioneros en el desarrollo de los títulos de crédito.
Otro tipo de innovación ha sido la recuperación de los seriales episódicos. Pues desde los años noventa las productoras evitaban series que necesitasen un seguimiento continuo dado que en aquella época se consideraba que un ‘admirador’ de un programa veía en promedio apenas uno de cada cuatro episodios. Este seguimiento tiene dos sentidos internos:
o       Generar un producto que atraiga audiencia hacia la cadena de pago.
o       Permitir un mejor desarrollo y mayor profundidad de las tramas, personajes y conflictos.
La HBO es famosa por sus dramas corales
-         La colaboración con autores consolidados. La HBO ha hecho un gran trabajo en el reconocimiento de la figura del ‘showrunner’ o productor principal, que es aquella persona que coordina todos los aspectos de una serie, empezando por los guiones. Además, en este sentido ha cuidado mucho sus colaboraciones buscando cierto sentido autoral detrás del producto televisivo, como es el caso de David Chase, creador de Los Soprano; Alan Ball, creador de A dos metros bajo tierra y David Simon, periodista y escritor que ya había colaborado en pequeños trabajos con la HBO y que es la mente maestra detrás de The Wire.
James Gandolfini y David Chase

-         La reivindicación del tabú. Dado que la cadena es de pago no necesita incluir anuncios en sus series, y por tanto, las prohibiciones que exigen las marcas para que su producto no sea asociado a contenidos políticamente incorrectos, no existen.
Oz

El tabú no hace sólo referencia a la utilización de palabras malsonantes, el uso de drogas, la violencia explicita o la sexualidad; sino también al planteamiento de tramas y argumentos como el desarrollo de la rutina en una cárcel de máxima seguridad (Oz), la vida diaria de una familia mafiosa de New Jersey (Los Soprano), los entresijos de una familia de enterradores (A dos metros bajo tierra) o el complejo aparato productivo y distributivo de la droga en Baltimore (The Wire).


EL TRIPLE ENTENTE DE LA EDAD DE ORO

Los Soprano (1999 – 2007): En enero de 1999, la HBO estrena Los Soprano y de este modo se da un pequeño paso para una cadena y un gran paso para la televisión. El planteamiento de un mafioso italoamericano jefe de una pequeña organización criminal cuya posesiva madre le ha causado estrés y la necesidad de acudir a una psicoanalista, es absolutamente rompedor desde su capítulo piloto. El éxito de crítica y público la ha alzado al Olimpo de la televisión, y hasta este año la serie ostentaba el récord de audiencia de la cadena, sólo superada por Juego de Tronos.
La cuidadísima producción, con una grandísimo elenco de personajes que pululan frente a la pantalla, algunos periódicamente y otros esporádicamente, configuran otra de las señas de identidad de la cadena.

A dos metros bajo tierra (2001 – 2005): El éxito masivo de crítica especializada y público selecto de Los Soprano, permitió a la cadena traer al guionista Alan Ball, ganador de un oscar por su guión de American Beauty, para que crease una interesante propuesta para sumar a la ficción de la HBO.
 En este caso; las aventuras y desventuras de una familia de enterradores, que destaca por los traumas de los personajes, lo original de la historia y cierta innovación tanto estética, como en el modo de filmar, del que ciertas series como American History Horror se han aprovechado, a la vez que han agudizado sus planteamientos. El tabú llena la pantalla por completo, desde el tratamiento de la muerte como industria, hasta temas como la homosexualidad reprimida.

The Wire (2002 – 2008): Si Los Soprano puso los cimientos de la nueva televisión y A dos metros bajo tierra allanó el terreno, The Wire es el monumento viviente de que las obras maestras televisivas, existen. Definida por su ator, el periodista de sucesos David Simon, como una ‘novela visual’, The Wire sorprende por el perfecto realismo de su puesta en escena, el vocabulario y la jerga de sus personajes, los actores que no actúan y que en muchos casos no tenían experiencia como actores, sino que Simon los cogió de la calle.
Cualquier adjetivo se quedaría corto para el brutal relato sobre la corrupción en una ciudad, y todas las capas que afecta, desde la calle y la policía, hasta la política. En palabras de uno de sus personajes: “Si sigues la droga encontrarás a los camellos y los sicarios, si sigues el dinero, nunca sabes los que te vas a encontrar”.


Bibliografía:
http://www.ehu.es/zer/hemeroteca/pdfs/zer21-02-cascajosa.pdf
http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/02/actualidad/1330694525_921008.html
http://www.vayatele.com/ficcion-internacional/los-sopranos-la-hbo-y-el-porque-de-la-calidad-de-sus-series
http://www.esquirelat.com/entretenimiento/611115/the-watcher-10-razones-ver-otra-vez-soprano/
http://elpais.com/diario/2008/07/25/revistaverano/1216936802_850215.html
http://www.jotdown.es/2012/08/tony-soprano-vs-vito-corleone/
http://www.jotdown.es/2011/11/imprescindibles-the-sopranos/
http://mrmacguffin.blogspot.com.es/2013/08/y-si-los-soprano-nunca-hubiera-existido.html
http://newsweek.infonews.com/nota-198683-Adictos-seriales.html
Los pasados días 18,19, 20 y 21 de Noviembre, tuvo lugar en los cines Callao de Madrid, el Madrid Premiere Week, un pequeño festival de cine que tiene el objetivo de recuperar el esplendor de la Gran Vía madrileña como la calle de los estrenos. Tuvimos la oportunidad de asistir a este pequeño festival en el cual vimos las películas 'Futbolín' de Juan José Campanella, '10.000 Noches en Ninguna Parte' de Ramón Salazar; y 'Viral' de Lucas Figueroa. 
El primer día del Madrid Premiere Week fue el lunes 18 de Noviembre, día en el que se proyectaban las películas 'Plan en las Vegas' y 'Gente en Sitios'. Yo tenía una invitación para asistir a ver 'Gente en Sitios', pero por motivos personales me fue imposible asistir, por lo que ese primer día me limité a acercarme a Callao a recoger las invitaciones de las demás películas, las cuales había conseguido a través de varios concursos en internet.

Al día siguiente vimos las películas 'Futbolín' y '10.000 Noches en Ninguna Parte'. La proyección de Futbolín tuvo lugar sobre las 18:00, pero antes de entrar, los organizadores tuvieron la amabilidad de regalarnos palomitas, dejarnos pasar por la alfombra roja y sacarnos varias fotos en el photocall. Una vez en la sala, y antes de comenzar la proyección, apareció Arturo Valls, famoso presentador de televisión, a hacer una breve presentación de la película, ya que él es el encargado de poner voz a uno de los protagonistas. Podéis leer nuestra opinión acerca de Futbolín en la CRÍTICA.

Una vez terminada Futbolín, tuvo lugar la proyección de '10.000 Noches en Ninguna Parte', la última película de Ramón Salazar, director y guionista nominado al Goya a Mejor Guión Adaptado en dos ocasiones. El director estuvo presente junto con el resto del equipo de la película para hablarnos un rato sobre ella. De '10.000 Noches en Ninguna Parte' decir que es una película de lo más interesante pero demasiado pretenciosa, debido a que su director se cree Terrence Malick cuando no tiene ni la capacidad ni los medios para ello.

Finalmente, el día 20 asistimos a ver 'Viral' de Lucas Figueroa, que tiene el mérito de ser la primera película española financiada únicamente con fondos privados. Pese a no llamar mucho mi atención terminó gustándome bastante. Antes de la película tuvimos ocasión de conocer al director y a algunos de sus protagonistas, como a Aura Garrido, Pablo Rivero o Miguel Ángel Muñoz. Además, también contó con la presencia de Agustín Almodovar, hermano del famoso director manchego, al cual le dieron un premio por Los Amantes Pasajeros, debido a que ha sido la película española más taquillera de este 2013. 


13:28 Albertorde
Los pasados días 18,19, 20 y 21 de Noviembre, tuvo lugar en los cines Callao de Madrid, el Madrid Premiere Week, un pequeño festival de cine que tiene el objetivo de recuperar el esplendor de la Gran Vía madrileña como la calle de los estrenos. Tuvimos la oportunidad de asistir a este pequeño festival en el cual vimos las películas 'Futbolín' de Juan José Campanella, '10.000 Noches en Ninguna Parte' de Ramón Salazar; y 'Viral' de Lucas Figueroa. 
El primer día del Madrid Premiere Week fue el lunes 18 de Noviembre, día en el que se proyectaban las películas 'Plan en las Vegas' y 'Gente en Sitios'. Yo tenía una invitación para asistir a ver 'Gente en Sitios', pero por motivos personales me fue imposible asistir, por lo que ese primer día me limité a acercarme a Callao a recoger las invitaciones de las demás películas, las cuales había conseguido a través de varios concursos en internet.

Al día siguiente vimos las películas 'Futbolín' y '10.000 Noches en Ninguna Parte'. La proyección de Futbolín tuvo lugar sobre las 18:00, pero antes de entrar, los organizadores tuvieron la amabilidad de regalarnos palomitas, dejarnos pasar por la alfombra roja y sacarnos varias fotos en el photocall. Una vez en la sala, y antes de comenzar la proyección, apareció Arturo Valls, famoso presentador de televisión, a hacer una breve presentación de la película, ya que él es el encargado de poner voz a uno de los protagonistas. Podéis leer nuestra opinión acerca de Futbolín en la CRÍTICA.

Una vez terminada Futbolín, tuvo lugar la proyección de '10.000 Noches en Ninguna Parte', la última película de Ramón Salazar, director y guionista nominado al Goya a Mejor Guión Adaptado en dos ocasiones. El director estuvo presente junto con el resto del equipo de la película para hablarnos un rato sobre ella. De '10.000 Noches en Ninguna Parte' decir que es una película de lo más interesante pero demasiado pretenciosa, debido a que su director se cree Terrence Malick cuando no tiene ni la capacidad ni los medios para ello.

Finalmente, el día 20 asistimos a ver 'Viral' de Lucas Figueroa, que tiene el mérito de ser la primera película española financiada únicamente con fondos privados. Pese a no llamar mucho mi atención terminó gustándome bastante. Antes de la película tuvimos ocasión de conocer al director y a algunos de sus protagonistas, como a Aura Garrido, Pablo Rivero o Miguel Ángel Muñoz. Además, también contó con la presencia de Agustín Almodovar, hermano del famoso director manchego, al cual le dieron un premio por Los Amantes Pasajeros, debido a que ha sido la película española más taquillera de este 2013. 


NOTA: 6/10
Por Alberto Cano
El realizar una película en España está siendo cada vez más complicado. Se dan muchas menos subvenciones dentro del sector cinematográfico y los espectadores van mucho menos al cine debido al abusivo IVA cultural. Pero dentro de toda esta crisis del sector, muchos autores están dispuestos a realizar sus proyectos buscando sus propias formas de financiación. Uno de estos casos es el de Lucas Figueroa y su película 'Viral', el primer largometraje español realizado únicamente con fondos privados a través de patrocinios. 


'Viral' nos relata la historia de Raúl, un jóven friki de 25 años que resulta ser el elegido para un curioso concurso que consiste en vivir durante 7 días en el edificio del Fnac del Callao sin poder salir. El objetivo del concurso es conseguir 100.000 fans. Pero las cosas se complican cuando una serie de misteriosos sucesos empiezan a ocurrir dentro del edificio.
11:36 Albertorde
NOTA: 6/10
Por Alberto Cano
El realizar una película en España está siendo cada vez más complicado. Se dan muchas menos subvenciones dentro del sector cinematográfico y los espectadores van mucho menos al cine debido al abusivo IVA cultural. Pero dentro de toda esta crisis del sector, muchos autores están dispuestos a realizar sus proyectos buscando sus propias formas de financiación. Uno de estos casos es el de Lucas Figueroa y su película 'Viral', el primer largometraje español realizado únicamente con fondos privados a través de patrocinios. 


'Viral' nos relata la historia de Raúl, un jóven friki de 25 años que resulta ser el elegido para un curioso concurso que consiste en vivir durante 7 días en el edificio del Fnac del Callao sin poder salir. El objetivo del concurso es conseguir 100.000 fans. Pero las cosas se complican cuando una serie de misteriosos sucesos empiezan a ocurrir dentro del edificio.
NOTA: 7/10
Por Alberto Cano
El cine de animación siempre ha sido uno de mis géneros cinematográficos favoritos, y el hecho de poder de ver una película animada dirigida por Juan José Campanella hacía que mis expectativas hacia 'Futbolín' fueran muy altas. 

'Futbolín' nos relata la historia de Amadeo, un chico tímido que tendrá que enfrentarse a el Crack, un antiguo rival suyo al cual ganó hace años en una partida de futbolín. Para ello contará con la ayuda de su amiga Laurita y de unos peculiares muñecos de futbolín rebosantes de vida.


Pese a tener este argumento bastante simple y típico del cine de animación infantil, Campanella despliega todo un interesante universo cuidado detalle a detalle y aportando un toque muy carismático a cada uno de los personajes. Destaca sobre todo ese ambiente de pueblo que consigue crear y la forma de plasmar ciertos valores como la amistad o la honradez en los protagonistas, todos muy bien definidos y cumpliendo un rol bastante primordial en la trama. Conviene analizar  el personaje de Amadeo, en el cual se representan todas aquellas pasiones y ambiciones que hemos tenido desde niños y que aun seguimos teniendo, tales como nuestras aficiones o conocer personas muy especiales para nosotros. En el filme esto se ve reflejado claramente en la gran afición de Amadeo hacia el Futbolín o su amor hacia Laurita. 
11:34 Albertorde
NOTA: 7/10
Por Alberto Cano
El cine de animación siempre ha sido uno de mis géneros cinematográficos favoritos, y el hecho de poder de ver una película animada dirigida por Juan José Campanella hacía que mis expectativas hacia 'Futbolín' fueran muy altas. 

'Futbolín' nos relata la historia de Amadeo, un chico tímido que tendrá que enfrentarse a el Crack, un antiguo rival suyo al cual ganó hace años en una partida de futbolín. Para ello contará con la ayuda de su amiga Laurita y de unos peculiares muñecos de futbolín rebosantes de vida.


Pese a tener este argumento bastante simple y típico del cine de animación infantil, Campanella despliega todo un interesante universo cuidado detalle a detalle y aportando un toque muy carismático a cada uno de los personajes. Destaca sobre todo ese ambiente de pueblo que consigue crear y la forma de plasmar ciertos valores como la amistad o la honradez en los protagonistas, todos muy bien definidos y cumpliendo un rol bastante primordial en la trama. Conviene analizar  el personaje de Amadeo, en el cual se representan todas aquellas pasiones y ambiciones que hemos tenido desde niños y que aun seguimos teniendo, tales como nuestras aficiones o conocer personas muy especiales para nosotros. En el filme esto se ve reflejado claramente en la gran afición de Amadeo hacia el Futbolín o su amor hacia Laurita. 
20 años son pasados desde la muerte de Federico Fellini, ocurrida el 31 de octubre de 1993.
 En Italia, hasta Enero 2014, hay muchas iniciativas para recordar y homenajear a este gran director italiano reconocido a nivel mundial. En el año que muriò venció su último oscar con la película Amarcord y aquí hablaremos justo de esta película. 
Amarcord es un largometraje que cuenta la historia de algunos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930. El título “Amarcord” quiere decir literalmente 'yo me acuerdo' en el dialecto emiliano-romañolo de la región italiana donde está situada Rímini.
Es la primavera de la juventud que Fellini reproduce, la muerte parece no existir en esta provincia metafísica que puede ser cualquier otro pueblecito de nuestra infancia. Soy las bromas, las travesuras, la política, la escuela, el amor y el descubrimiento del sexo que este director reproduce.


Amarcord no es una película autobiográfica en sentido estrecho, no cuenta nada de la infancia de Federico Fellini tal como es efectivamente, pero tal como ha sido imaginada.
Autobiográfico por lo tanto sí, pero no exageramos. El motivo por cuyo Amarcord es una de las películas más queridas en el mundo es la facilidad con que se logra mirar todo esto muestrario de italianidad sin por éste dar un sentido geográfico estrecho.
Aquí está la fuerza del cine, imprime para siempre un momento en el imaginario colectivo y se puede rever cuantas veces quieres.

Incluso no siendo efectivamente la última obra maestra del buen Federico, éste ha sido su última película a tomar un Óscar como mejor película extranjera.
9:21 Susa8
20 años son pasados desde la muerte de Federico Fellini, ocurrida el 31 de octubre de 1993.
 En Italia, hasta Enero 2014, hay muchas iniciativas para recordar y homenajear a este gran director italiano reconocido a nivel mundial. En el año que muriò venció su último oscar con la película Amarcord y aquí hablaremos justo de esta película. 
Amarcord es un largometraje que cuenta la historia de algunos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930. El título “Amarcord” quiere decir literalmente 'yo me acuerdo' en el dialecto emiliano-romañolo de la región italiana donde está situada Rímini.
Es la primavera de la juventud que Fellini reproduce, la muerte parece no existir en esta provincia metafísica que puede ser cualquier otro pueblecito de nuestra infancia. Soy las bromas, las travesuras, la política, la escuela, el amor y el descubrimiento del sexo que este director reproduce.


Amarcord no es una película autobiográfica en sentido estrecho, no cuenta nada de la infancia de Federico Fellini tal como es efectivamente, pero tal como ha sido imaginada.
Autobiográfico por lo tanto sí, pero no exageramos. El motivo por cuyo Amarcord es una de las películas más queridas en el mundo es la facilidad con que se logra mirar todo esto muestrario de italianidad sin por éste dar un sentido geográfico estrecho.
Aquí está la fuerza del cine, imprime para siempre un momento en el imaginario colectivo y se puede rever cuantas veces quieres.

Incluso no siendo efectivamente la última obra maestra del buen Federico, éste ha sido su última película a tomar un Óscar como mejor película extranjera.

Llegado casualmente en un circo, Charlot (Chaplin), es asumido por sus grandes dotes humorísticas y se convierte en la punta de diamante del espectáculo. Durante esta su inesperada experiencia se enamorará de una artista del circo, que es también hija del propietario, que pero se ha infatuada con otro miembro del circo. Los esfuerzos de Charlot, para conquistarla, serán varios y al final perderá el trabajo y sólo quedará.


Una de las obras mejores y al mismo tiempo meno conocido del genio estadounidense que, en este trabajo, mezcla perfectamente el melodrama a sus usuales sketches cómicos irresistibles. La falta del sonido no limita para nada la potencia cómica de la película gracias al increíble lenguaje corpóreo de Charlot.


La película ha vencido un Óscar en el 1928. La fotografía es el único límite de una obra óptima. De Chaplin es obviamente el guión, la dirección y las músicas, como en todas sus películas.
7:02 Susa8

Llegado casualmente en un circo, Charlot (Chaplin), es asumido por sus grandes dotes humorísticas y se convierte en la punta de diamante del espectáculo. Durante esta su inesperada experiencia se enamorará de una artista del circo, que es también hija del propietario, que pero se ha infatuada con otro miembro del circo. Los esfuerzos de Charlot, para conquistarla, serán varios y al final perderá el trabajo y sólo quedará.


Una de las obras mejores y al mismo tiempo meno conocido del genio estadounidense que, en este trabajo, mezcla perfectamente el melodrama a sus usuales sketches cómicos irresistibles. La falta del sonido no limita para nada la potencia cómica de la película gracias al increíble lenguaje corpóreo de Charlot.


La película ha vencido un Óscar en el 1928. La fotografía es el único límite de una obra óptima. De Chaplin es obviamente el guión, la dirección y las músicas, como en todas sus películas.

sábado, 7 de diciembre de 2013




En esta segunda edición de ‘Cine y música’, seguimos en la senda del rap, con un tema del Mc madrileño Artes. La canción, ‘No es la nouvelle vague’, es un recorrido audiovisual por la historia del cine y que sirvió de hilo musical para el programa de Radio 3, ‘El séptimo vicio’, dirigido por el prestigioso crítico cinematográfico, Javier Tolentino.


El videoclip comienza con el famoso baile de Chaplin en una de sus películas más celebradas, 'Tiempos modernos', precisamente fue la canción entonada durante esta escena la primera vez que se escuchó la voz del maestro en una sala de cine. 

Continúa con una entrevista de Quentin Tarantino y comienza a viajar por  escogidas referencias cinematográficas que incluyen a directores, películas, actores y géneros conocidos y reconocidos, así como otras referidas a un cine más independiente.

¿Reconoces todas las menciones?





17:45 Unknown



En esta segunda edición de ‘Cine y música’, seguimos en la senda del rap, con un tema del Mc madrileño Artes. La canción, ‘No es la nouvelle vague’, es un recorrido audiovisual por la historia del cine y que sirvió de hilo musical para el programa de Radio 3, ‘El séptimo vicio’, dirigido por el prestigioso crítico cinematográfico, Javier Tolentino.


El videoclip comienza con el famoso baile de Chaplin en una de sus películas más celebradas, 'Tiempos modernos', precisamente fue la canción entonada durante esta escena la primera vez que se escuchó la voz del maestro en una sala de cine. 

Continúa con una entrevista de Quentin Tarantino y comienza a viajar por  escogidas referencias cinematográficas que incluyen a directores, películas, actores y géneros conocidos y reconocidos, así como otras referidas a un cine más independiente.

¿Reconoces todas las menciones?








Los Chikos del Maíz’ son el grupo referencia del rap político y combativo en España, con unas letras ácidas, directas, cargadas de referencias marxistas y a la cultura popular, que les han valido el reconocimiento general de la crítica social y la censura de la derecha mediática, que ha llevado a cabo varios montajes para criminalizarles.


En 2010, tras el triunfo en grupo de la maqueta Miedo y asco en Valencia (referencia a la icónica película de Terry Gillian) y tras la publicación de inéditos y varias giras a lo largo de la península, Nega y Toni, aparcan la agrupación para hacer dos proyectos personales.
   



Por un lado, Toni ‘el Sucio’ dedicará el tiempo a una maqueta junto a otro MC valenciano, Jerry Coke, titulada ‘Ensayo sobre la fluidez’


Mientras tanto el Nega prepara una bomba lapa el los oídos del público comercial. Junto al Dj valenciano Joew, crea Fort Apache, en honor a la celebérrima película del titánico John Ford, y entre los dos sacan adelante ‘Cine, ideología y cultura de masas’. 

La maqueta es una amalgama de referencias a la historia del cine, teoría marxista-leninista y actualidad social. Entre las indispensables canciones encontramos ‘Que disparen sobre Leyre Pajin’, ‘Teoría de la modernidad’

En relación con nuestro blog, para inaugurar esta sección de CINE Y MÚSICA, tenemos dos perlas en honor al séptimo arte: ‘Hollywood Babilonia’, dedicada a la edad dorada del cine americano y ‘Cine de autor’, para los amantes del arte y ensayo. 

Y es que, por algo el Nega se define como “el Jean Luc-Godard del rap en español”.


http://www.youtube.com/watch?v=gKHvuDFbGEE
Reproducir disco completo


17:28 Unknown



Los Chikos del Maíz’ son el grupo referencia del rap político y combativo en España, con unas letras ácidas, directas, cargadas de referencias marxistas y a la cultura popular, que les han valido el reconocimiento general de la crítica social y la censura de la derecha mediática, que ha llevado a cabo varios montajes para criminalizarles.


En 2010, tras el triunfo en grupo de la maqueta Miedo y asco en Valencia (referencia a la icónica película de Terry Gillian) y tras la publicación de inéditos y varias giras a lo largo de la península, Nega y Toni, aparcan la agrupación para hacer dos proyectos personales.
   



Por un lado, Toni ‘el Sucio’ dedicará el tiempo a una maqueta junto a otro MC valenciano, Jerry Coke, titulada ‘Ensayo sobre la fluidez’


Mientras tanto el Nega prepara una bomba lapa el los oídos del público comercial. Junto al Dj valenciano Joew, crea Fort Apache, en honor a la celebérrima película del titánico John Ford, y entre los dos sacan adelante ‘Cine, ideología y cultura de masas’. 

La maqueta es una amalgama de referencias a la historia del cine, teoría marxista-leninista y actualidad social. Entre las indispensables canciones encontramos ‘Que disparen sobre Leyre Pajin’, ‘Teoría de la modernidad’

En relación con nuestro blog, para inaugurar esta sección de CINE Y MÚSICA, tenemos dos perlas en honor al séptimo arte: ‘Hollywood Babilonia’, dedicada a la edad dorada del cine americano y ‘Cine de autor’, para los amantes del arte y ensayo. 

Y es que, por algo el Nega se define como “el Jean Luc-Godard del rap en español”.


http://www.youtube.com/watch?v=gKHvuDFbGEE
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Noé (Noah en inglés) es el esperado kolossal bíblico costado 150 millones de dólares, dirigido por Darren Aronofsky (director de The fountain y El cisne negro entre otroso), que cuenta la historia de Noé y el diluvio universal. Noé ha hecho hablar hasta ahora de si por dos razones principales: ante todo por la lucha entre Paramount y el director para modificar el desenlace, el Estudio querría uno mucho más épico, mientras Aronofsky ambiciona a un final que sea el retrato de un apocalipsis "ambiental"; la segunda razón es debida  a las reacciones no justo entusiásticas de algunas plateas selectas para ver en preestreno Noé en América, seleccionadas en base a confesiones religiosas diferentes (judíos a Nueva York, cristianos en Arizona y una público mixto en California.

La historia cuenta un mundo brutal y salvaje, dónde los seres humanos están constantemente en guerra y la mayor parte de la tierra ha sido devastada. La historia “podría ser ambientada en cualquiera época. Podría ser sea un millar de años en el futuro o un millar de años en el pasado" como ha declarado a una de las estrellas de la película, Emma Watson. A hacer parte del reparto de Noé hay muchos otros actores interesantes, a empezar naturalmente de Russell Crowe, en el papel del protagonista encargado de construir el arca para salvar la humanidad y todos los seres vivientes. Encontramos luego Jennifer Connelly, Anthony Hopkins y Logan Lerman. Tenemos que esperar unos meses, Noè saldrá en los cines estadounidenses el 28 marzo del próximo año.



10:05 Susa8
Noé (Noah en inglés) es el esperado kolossal bíblico costado 150 millones de dólares, dirigido por Darren Aronofsky (director de The fountain y El cisne negro entre otroso), que cuenta la historia de Noé y el diluvio universal. Noé ha hecho hablar hasta ahora de si por dos razones principales: ante todo por la lucha entre Paramount y el director para modificar el desenlace, el Estudio querría uno mucho más épico, mientras Aronofsky ambiciona a un final que sea el retrato de un apocalipsis "ambiental"; la segunda razón es debida  a las reacciones no justo entusiásticas de algunas plateas selectas para ver en preestreno Noé en América, seleccionadas en base a confesiones religiosas diferentes (judíos a Nueva York, cristianos en Arizona y una público mixto en California.

La historia cuenta un mundo brutal y salvaje, dónde los seres humanos están constantemente en guerra y la mayor parte de la tierra ha sido devastada. La historia “podría ser ambientada en cualquiera época. Podría ser sea un millar de años en el futuro o un millar de años en el pasado" como ha declarado a una de las estrellas de la película, Emma Watson. A hacer parte del reparto de Noé hay muchos otros actores interesantes, a empezar naturalmente de Russell Crowe, en el papel del protagonista encargado de construir el arca para salvar la humanidad y todos los seres vivientes. Encontramos luego Jennifer Connelly, Anthony Hopkins y Logan Lerman. Tenemos que esperar unos meses, Noè saldrá en los cines estadounidenses el 28 marzo del próximo año.



Steve Jobs es un personaje que se quiere o se odia, sin medias medidas tal como Apple: hay quien la define  una simple moda y quién, en cambio, la idólatra. Comprendemos, por lo tanto, la enorme dificultad encontrada por el director Joshua Michael Stern en la realización de la película dedicada al fundador de Apple, además de aquél advertido por Ashton Kutcher, intérprete de un personaje todo otro que fácil.
A pesar de la óptima interpretación de Kutcher, cuya parecido, los movimientos y las expresiones del fundador de Apple son impresionantes, el guión tiene sin embargo unas faltas bastante graves, omitiendo o desluciendo hechos públicos y personales en realidad importantes de un punto de vista biográfico.
Incluso poniéndose como objetivo aquel de contar la vida de Steve Jobs, la película se demuestra en realidad principalmente válida en representar la historia de Apple, entrelazándose con la complejidad de la vida y la personalidad del fundador de la sociedad tecnológica. Las partes en que deberían emerger los elementos más particulares de Jobs, en efectos, se cuentan con los dedos de una mano, presentándose bastante superficiales a los ojos del espectador, como si estuvieran allí solo a hacer de contorno a los que fueron los acontecimientos que llevaron al nacimiento de Apple.
Lo esperaron todos con ansiedad este biopic:  Steve Jobs, guste o no, ha sido el último héroe global, el último genio a haber cambiado nuestra vida y nuestras costumbres.
La crítica cinematográfica casi ha tronchado la película a la unanimidad

No era ciertamente fácil comprimir la compleja vida profesional y privada de Steve Jobs en una película de la duración de poco superior a dos horas.
5:31 Susa8
Steve Jobs es un personaje que se quiere o se odia, sin medias medidas tal como Apple: hay quien la define  una simple moda y quién, en cambio, la idólatra. Comprendemos, por lo tanto, la enorme dificultad encontrada por el director Joshua Michael Stern en la realización de la película dedicada al fundador de Apple, además de aquél advertido por Ashton Kutcher, intérprete de un personaje todo otro que fácil.
A pesar de la óptima interpretación de Kutcher, cuya parecido, los movimientos y las expresiones del fundador de Apple son impresionantes, el guión tiene sin embargo unas faltas bastante graves, omitiendo o desluciendo hechos públicos y personales en realidad importantes de un punto de vista biográfico.
Incluso poniéndose como objetivo aquel de contar la vida de Steve Jobs, la película se demuestra en realidad principalmente válida en representar la historia de Apple, entrelazándose con la complejidad de la vida y la personalidad del fundador de la sociedad tecnológica. Las partes en que deberían emerger los elementos más particulares de Jobs, en efectos, se cuentan con los dedos de una mano, presentándose bastante superficiales a los ojos del espectador, como si estuvieran allí solo a hacer de contorno a los que fueron los acontecimientos que llevaron al nacimiento de Apple.
Lo esperaron todos con ansiedad este biopic:  Steve Jobs, guste o no, ha sido el último héroe global, el último genio a haber cambiado nuestra vida y nuestras costumbres.
La crítica cinematográfica casi ha tronchado la película a la unanimidad

No era ciertamente fácil comprimir la compleja vida profesional y privada de Steve Jobs en una película de la duración de poco superior a dos horas.